Estilo New Romantics

Los denominados New Romantics fue una escena que se creó en los locales nocturnos de la noche londinense, donde la creatividad tanto en la música como en la ropa dejaba claro su desprecio por los punkies que les habían precedido. En contraste con los Pistols y compañía, los Nuevos Románticos se inspiraron en el glamour de Hollywood, colores chillones, adornos para lograr un look atractivo y hasta narcisista.Parece ser que todo comenzó con los instrumentos electrónicos. David Bowie comenzó a actuar en el club "Gossips", del Soho, los martes por la noche, excelente local al que se unieron otros muchos como "Blitz" o el "St. Moritz", donde sus propietarios se dieron cuenta de la nueva escena que comenzaba a causar furor entre los jóvenes.

A parte de los músicos estaban los diseñadores de moda, los cuáles tomaron un gran protagonismo: Vivienne Westwood (quién diseñó casi todo para Adam And The Ants), Dave Hoalh o Stivie Stewart abrieron sus tiendas en Chelsea y otros barrios de renombre de la capital británica. Rápidamente, los románticos casaron muy bien con las revistas tanto de moda como de música y bandas como Spandau Ballet, Duran Duran o Visage comenzaron a colmar portadas de magazines en cuyas entrevistas ponían a Bowie, Bryan Ferry y Boy George como sus influencias básicas. Pero volvamos unos años atrás. Parece ser que todo comenzó con los instrumentos electrónicos y con las melodías avanzadas de Brian Eno y los ritmos robotizados de Kraftwerk que dieron paso a grupos como Ultravox o B52’s.

En 1979, The Buggles grabaron el tema "Video Killed The Radio Star", el cuál fusionaba las melodías de los sesenta con arreglos electrónicos. Otro protagonista de fin de década fue Gary Numan y su "Cars", del mismo año. Por su parte, OMD (Orchestral Manoeuvres In The Dark) triunfaron con auténticos himnos que hoy todavía siguen vigentes como "Enola Gay", de 1980 o "If You Leave", del 86. Depeche Mode quisieron seguir lo que comenzaron Roxy Music y Ultravox, explorando la combinación de aquellos primeros ritmos experimentados por dichos artistas publicando auténticas obras maestras como "Just Can´t Get Enough", en 1981, dos años después de que Human League editara "Dignity Of Labour". Ese año, Marc Almond y el teclista David Ball saltaron a escena con los famosos Soft Cell, que causaron gran impacto con la versión de "Tainted Love", un hit de Eddy Cobb del 64. En el 83, Dave Stewart y Annie Lennox debutaron con "Sweet Dreams", un verdadero hit de la época que combinaba diversas melodías y coros y que convirtieron a Lennox en la mejor vocalista del género.

Un año más tarde, un dúo aparecido en Londres acabaría por convertirse en uno de los grupos más famosos de los 80’s. Temas como "West End Girls" o "It’s A Sin" encumbraron a Pet Shop Boys a los primeros puestos de las listas europeas en cada álbum que publicaban.

Los arreglos electrónicos de Chris Lowe se mezclaban a la perfección con el vocalista Neil Tennant. Por otro lado, el compositor Dave Cunningham encabezó un proyecto que en un principio se mostraba demasiado experimental pero que alcanzó también el éxito: The Flying Lizards, con trazos de música disco psicodélica e influencias de las composiciones electrónicas del gran Brian Eno. Incluso bandas que comenzaron en la era punk supieron reciclarse en el ambiente electrónico y cambiar las guitarras eléctricas por teclados y sintetizadores. Con el trágico suicidio de Ian Curtis, líder y vocalista de Joy División, sus compañeros, Bernard Sumner, Phil Cunningham, Peter Hook y Stephen Morris forman New Order, comenzando una nueva carrera en 1983 con exitazos como "Blue Monday" y "Bizarre Love Triangle" hasta llegar al mismo 2005 con "Waiting For The Siren’s Call" después de mantenerse en la brecha con trabajos como "Get Ready" (2001), "Republic" (1993) o "Technique" (1989).

Volviendo atrás nuevamente, las nuevas formaciones, que intentaban huir del legado punk, buscaban una nueva escena de música disco que no olvidara la originalidad y frescura de los Pistols o The Damned, pero mezclando melodías que evocaban un futuro inmediato. En esto que salió uno de los grupos más exitosos del momento: Spandau Ballet con "Journeys To Glory" (1981), una excelente mezcla de guitarras, sintetizadores, saxofones y sección de ritmos. Duran Duran fueron, sin duda alguna, los líderes, los más exitosos del movimiento New Romantic. Sus discos eran éxitos continuos: "Planet Earth" (1981), "Hungry Like The Wolf" (1982), "Reflex" (1983) o "The Wild Boys" (1984). Fundada en 1980 por John y Andy Taylor y Simon Le Bon, Duran Duran fue la banda favorita de la Princesa de Gales gracias a increíbles video-clips como el "Hungry Like The Wolf", emitido una y otra vez por la MTV y elegido como uno de los mejores de la historia. En el 84 conquistarían los EEUU con "New Moon On Monday", provocando una reacción parecida en ese país a la que provocó The Beatles dos décadas antes.

La gran cantidad de grupos y, sobre todo, de bandas que alcanzaron el éxito durante estos años fue indiscutible: en 1982, Culture Club editó "Do You Really Want To Hurt Me" y "Karma Chamaleon", al año siguiente; Thompson Twins llegaron con "Hold Me Now" en el 84 y Tears For Fears con "Everybody Wants To Rule The World" en 1985 y decenas de bandas más como ABC, Heaven 17 o A-Ha y su mega-hit "Take On Me", canción cuyo videoclip causó sensación en la MTV. Tampoco podemos olvidarnos de la banda que nos presentó años más tarde en solitario a George Michael: Wham!, con éxitos como "Wake Me Up", del 84 y "Freedom", de ese mismo año, todas estas canciones que llegaron a los primeros puestos, tanto de las listas de éxito como de la MTV, aunque no muchas alcanzaron a "Relax", el super hit de Frankie Goes To Hollywood, con un video 100% sado-masoquista, prohibido durante algún tiempo, como no, por la BBC.

Finalmente, hubo una banda –cuyo vocalista volvió en 2004 a la actividad discográfica- y que no todos los críticos e historiadores la ubica en esta escena. Ellos fueron The Smiths, liderados por Steve Morrisey, autor de letras y canciones hipersensibles que entusiasmaron a los jóvenes ingleses, gays en su mayoría, y que apenas se sentían representados por formación alguna. A si que, toda una generación se identificó con Morrisey y su banda en canciones como "Hand In Glove" (1983), "What Difference" (1984), "How Sonn Is Now" (1985) o "Shoplifters Of The World" (1987), con una foto de Elvis en la portada.
Toda una época que nunca volverá.

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Rock sinfónico

El rock sinfónico es un estilo musical surgido a partir de mediados de los sesenta que pretende explorar nuevos caminos musicales, mediante la combinación creativa de elementos de la música docta (o mal llamada musica "Clasica"), la psicodelia y el hard rock. En el rock sinfónico se suele plantear la concepción de la obra musical como un todo coherente (el álbum o disco conceptual), en vez de como un conjunto de temas sueltos. Los primeros discos conceptuales, como Sgt. Pepper's Lonely Hearts' Club Band, de los Beatles, o Days of a future passed, de Moody Blues, son ciclos de canciones relativamente breves, que desarrollan una historia. Dando un paso más, bandas de los 70 como Pink Floyd, Mike Oldfield, King Crimson, Jethro Tull, Genesis, Emerson, Lake and Palmer o Yes se lanzan a la creación de obras épicas como Supper's Ready, Tubular Bells o Thick as a brick, una suerte de sinfonías rock, que a menudo se extienden durante toda una cara (o las dos) de un LP.

El Rock Sinfónico toma su nombre de la sonoridad de las sinfonías clásicas, que a partir de entonces se agrega a la paleta de colores del pop. La sonoridad sinfónica se recrea mediante el uso de orquestas, secciones de cuerda o sintetizadores como el mellotron. Los primeros experimentos de este tipo se encuentran en canciones como Yesterday o Eleanor Rigby, de los Beatles. Los intentos más ambiciosos que siguen (p. ej. el Concierto para grupo y orquesta de Deep Purple o Atom Heart Mother de Pink Floyd) no siempre son afortunados. Tras caer en el descrédito a mitades de los 70, los experimentos que reúnen a un grupo de rock con una orquesta clásica retornan a finales de los 90, con discos como S&M de Metallica. A mediados de los 90's aparece en europa una nueva forma de rock sinfonico o mejor conocido como Metal Sinfonico Operatico Orquestal, cuyo mayor exponente y virtual punta de lanza de este sui generis es el Grupo Sueco Therion, quienes utilizan los componentes rítmicos de un grupo de metal, similar al heavy metal pero acorde a la sincronización y afluencia de una orquesta sinfonica, por lo que no es igual al concierto de San Francisco de Metallica que supone un acompañamiento musical sinfonico similar a una producción hollywoodense; por el contrario, conlleva a la composición integra de una canción con intervenciones sinfónico e incluso sintéticas en algunos casos. Así mismo el canto de la lírica de la canción es desarrollado por voces y coros operaticos, como Barítonos, Bajos, Sopranos y en algunos casos Tenores, desplazando a segundo plano y/o eliminando las usuales voces heavy metaleras, chillonas y roncas. La lírica de este género es compuesta por temas épicos, mitología occidental griega, celta, vikinga, barbarica, cristiana y de mediano oriente; por lo que se percibe el alto grado de preparación, no solo musical sino académica de los integrantes de éstos grupos europeos y compositores de este tipo de genero.

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Estilo Acid jazz

Se puede definir al Acid Jazz como un estilo de fusión que viene a conjugar sonidos de procedencia de funk, soul y jazz a lo que cabe añadir las peculiaridades que cada artista aporta a su obra, lo que abre un espectro de influencias bastante amplio, que va desde los ritmos latinos hasta otros de marcada tendencia hip-hop, house o electrónica.

El Acid Jazz puede considerarse como un eslabón más en la evolución de la música negra, en contraposición a las corrientes musicales de raíces "blancas", una música creada para quemar las pista de baile, sin que por ello se tenga que ceder un ápice de buen gusto, melodía y sentimiento, no en vano sus influencias fundamentales (jazz, funk y soul) resultan impecables en lo que a estos tres aspectos se refiere.


El término Acid Jazz comienza a acuñarse por parte de una serie de DJs de prestigio en ambientes "groovies" a raíz de la ola de Revival Funk vivida en Reino Unido durante finales de los 80, en convivencia con otros fenómenos musicales con el nacimiento de sonido House y Acid.

Durante esta época, comenzó a emplearse el término Acid Jazz para definir una nueva corriente musical que con rasgos propios, incorporando elementos jazzísticos y del sonido funk, en conjunción con otros estilos de reciente nacimiento (rap, hip hop...), comenzaba a imponerse como opción alternativa en cadenas de radio y pistas de baile.

Muy pronto comenzaron a buscarse antecedentes históricos en artistas de finales de los 60 y la década de los 70, tales como Funk Inc, Pucho o Idris Muhammad, que pronto se convirtieron en referentes válidos de este nuevo estilo.

Sin embargo, la verdadera explosión del Acid Jazz y su popularización habremos de contemplarla a principio de los 90, con la aparición o popularización de bandas como Stereo Mc's, Galliano, Brand New Heavies, Jamiroquai, Incógnito o Los Amigos Invisibles, que ha permitido que el Acid Jazz deje de ser una música "de culto" para pasar a ocupar las listas de superventas en todo el planeta.

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Estilo Bebop

El bebop es un estilo musical del jazz que se desarrolla en la década de los cuarenta del siglo XX; cronológicamente sucede al swing y precede al cool o West coast jazz. Sus iniciadores fueron Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Max Roach y Thelonious Monk.

Al llegar a los años 40, el jazz se encontraba musicalmente en un callejón sin salida. Muchos músicos estaban frustrados por las limitaciones que suponía tocar en grupos grandes (Big bands), y empezaron a buscar formas de expresión nuevas y originales. Por esta época ya ha saltado a la escena la influencia cubana, presidida por el trompetista Mario Bauzá, que había estado en los años 30 en la big band de Chick Webb, y el bongosero Chano Pozo, enrolado en la banda de un trompetista llamado Dizzy Gillespie que, por aquellas fechas, aún no era un revolucionario. El Bop comienza a gestarse como consecuencia de la llegada a las orquestas de un gran número de músicos muy jóvenes, para sustituir a los que fueron movilizados durante la guerra. Muy pronto, las Big bands deben desintegrarse pues los circuitos comerciales se han hundido tras la guerra y resulta difícil mantener formaciones de tan gran tamaño. Como señalan Case y Britt, los músicos se dispersan en una infinidad de pequeños grupos que, obviamente, no pueden continuar con una música que exige grandes formaciones y, en consecuencia, están dispuestos a asumir cualquier propuesta, por muy radical que pareciese en ese momento.La generación más joven del jazz, sobre todo Parker y Gillespie, optaron por reírse abiertamente de las normas. La respuesta de Gillespie al aburrimiento de la rutina del swing fue tocar a un ritmo furioso y llenar el breve solo que se le concedía en la orquesta con tantas ideas armónicas y melódicas como podía.

El Bop presenta una serie de características que, en su momento, fueron muy innovadoras:

a) Individualización de la sección rítmica, con un resultado de aparente caotización, rompiendo la continuidad de pulsación propia del Swing. Se trata de una clara influencia de los ritmos afrocubanos, en forma de falsa polirritmia. La pulsación básica se interioriza y los instrumentos rítmicos, como la batería, se independizan de ella y asumen papeles melódicos.

b) Abandono total del fraseo hot y de la sonoridad vocal de los instrumentos, llevando más allá la búsqueda de sonidos afinados al estilo europeo, ya iniciada por el Swing, con una estética nerviosa, cortante y fria. El fraseo, sobretodo en los primeros tiempos, es rápido, en corcheas y semicorcheas, usualmente con predominio de los registros agudos de los instrumentos.

c) Utilización de tempos muy rápidos, incluso en las baladas, con frecuente utilización de figuras rítmicas antillanas.

d) Predominio de los solos individuales, improvisados sobre partes corales, breves y estructuradas en forma de riffs. Esto supone un claro declive del concepto melódico propio del Swing y su sustitución por un concepto armónico, desconocido hasta entonces en el jazz.

e) Búsqueda consciente de una negritud, a veces forzada, en la elección de temas, ritmos y sonidos, cuando no en la propia filosofía.

El Bop sufrió inicialmente un profundo rechazo de la crítica jazzística (Ortiz Orderigo, etc.) y, en ocasiones, de los propios músicos swingers, acusado de ser no-jazz. Sin embargo, la temática Bop y la propia actitud de resistencia y rechazo cultural a la colonización de la música negra por la comercialidad, que conllevaba, lo acercan al blues y al jazz primitivo mucho más de lo que estuvo nunca el Swing. Muchos beboppers se movían entre los que habían sido expulsados hasta los márgenes de la sociedad: poetas, gays, artistas, traficantes de drogas y chulos. Muchos se describían a sí mismos como beats, un diminutivo de 'beatitud', los benditos oprimidos de la sociedad; el Bebop tiene una estrecha relación con el movimiento literario estadounidense denominado Generación Beat

El bebop evolucionó a una gran velocidad. Esta creatividad fue posible gracias al entorno en el que se interpretaba. Músicos de diferentes grupos se reunían para tocar juntos en jam sessions o para enfrentarse en duelos musicales. Al tocar juntos, los músicos compartían entre ellos sus conocimientos musicales y su lenguaje, lo que permitía que la música siguiera evolucionando. El bebop jamás llegó a ser tan popular como el swing. En primer lugar porque en el momento fuerte de la revolución bebop, en 1942, el Sindicato de Músicos prohibió a los músicos grabar para protestar por la falta de ingresos por la música reproducida en la radio y en las gramolas; la consecuencia es que mucha de la mejor música del momento no fuese grabada. En segundo lugar porque no era una música fácil como el swing, sino creativa e impredecible. El gran público prefería la música de entretenimiento y espectáculo, por ejemplo la de los cantantes de baladas modernos como Frank Sinatra, Bing Crosby, etc.. Por otro lado, la música negra que estaba empezando a atraer a las masas era el Rhythm & Blues, grupos pequeños y de música popular de donde surgiría el rock and roll.

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Estilo Rock and Roll

De un modo general, la musica rock agrupa el conjunto de corrientes musicales que surgieron a mediados del siglo XX en Estados Unidos. Con el correr de los años se puede decir que ha perdido el carácter anglosajón que tuvo en sus orígenes para convertirse en un lenguaje universal, sometido a un continuo cambio.


Tiene raíces tan plurales que sintetiza las principales ramas de la llamada música popular estadounidense, destacándose entre estos el blues, el rythm and blues (R&B), el canto gospel y el country and western.


No obstante los evidentes vínculos que posee con las más profundas esencias de la música de la comunidad afroamericana, la musica rock & roll es en realidad el resultado, tras una larga síntesis que se inicia con el siglo, de la adaptación de estas fuentes a una concepción y una estética “blanca”, lo que generó las primeras actitudes públicas de rechazo, algunas de ellas muy conflictivas. De esta forma fue considerado por compositores de blues, tales como Muddy Waters, “un hijo del rythm and blues al que llamaron rock”, siendo numerosas organizaciones racistas estadounidenses las que afirmaban con desprecio que este nuevo tipo de música “rebajaba al hombre blanco a la categoría de negro”. La variante, en cualquier caso, de acuerdo con estas interpretaciones, radicaría en el hecho de que la base del rock & roll, el viejo blues, estaba revisada, para mayor gloria de la raza blanca, a través de inyecciones de ritmo tan pronto dulce, como de andanadas de sonido estridente, rápido y energético.


Durante mucho tiempo este nuevo estilo de música fue llamado como una síntesis ligera de blues y R&B, y hallaría su ídolo fundacional a mediados de la década de 1950 en la figura de Elvis Presley, aún cuando desde la primera grabación de blues registrada en la historia ( “Crazy Blues”, un tema cantado en 1920 por Mammie Smith ) hubieran pasado casi tres decenios.


Esta vía de ”desencuentro”, conforme con sus raíces negras, la seguirían cantantes como Bessie Smith ( llamada la Emperatriz del Blues ), Billie Holiday, Little Richard y, ya en la esfera de la música de finales de la década de 1960 cantada por mujeres blancas, Janis Joplin. Para entonces, por los espasmódicos bailes que suscitaba en grandes masas de jóvenes y sus ritmos trepidantes, el rock se había transformado en algo más que música, era Rock and Roll , energía en estado puro.


Desde principios de la década de 1960 el factor más destacado en el panorama del rock & roll estriba en lo que ha venido en denominarse la “respuesta británica”. Esta expresión engloba las numerosas y diversas formas en que los músicos ingleses asumieron las rutilantes novedades procedentes de Estados Unidos.

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Estilo Rap

Un estilo musical iniciado en los barrios negros e hispanos neoyorquinos, está vinculado desde principios de 1980 a los ambientes de la cultura hip hop. De este último estilo musical toma como ejemplo integrar diversas corrientes, como la break dance music, el electro, el graffiti urbano o el scratch.


El hip hop se distinguió por evolucionar a partir de las formas primarias de la música religiosa de la comunidad afro americanas de Estados Unidos, a través de la expresividad laica y popular que se unió con el funck. El rap, a diferencia del hip hop, se desarrolla sobre todo por dos vías: rompe sus lazos con el funk y la música disco de consumo acentúa su relación con el break dance al tiempo que radicaliza sus signos de identidad callejeros mediante formas autónomas y un lenguaje específico y combativo.


En sus primeras manifestaciones, y siguiendo la pautoa break, la musica rap surgió de las operaciones que en las salas de baile ejecutaba un disc jockey utilizando uno o varios temas, al objeto de conseguir de las interrupciones y mezclas resultantes una composición que sirviera como vehículo sonoro a la recitación del solista o, con mayor frecuencia, a un nutrido conjunto de intérpretes. La púa del tocadiscos, en consecuencia, se convertía en un elemento fundamental de los temas rap y mediante las ráfagas breves y reiterativas, salpicadas de arrastres rítmicos, enfatizando rimas que se nutren de jergas, efectos onomatopéyicos, bromas y consignas, se desencadenaba un juego de réplicas y contrarréplicas muy sugestivo, que a su vez se complementaba con provocativas escenificaciones.


Los rasgos esenciales del rap (en especial todo lo que se refiere a sus letras) tienen su origen en las fórmulas publicitarias emitidas por radio y televisión donde dos o más personas conversaban coloquialmente sobre un producto, combinadas con las remezclas de música disco que los jóvenes negros, hispanos y chicanos empleaban para bailar y divertirse al aire libre en los ghettos. Por ello el rap tuvo en sus comienzos un alcance limitado, pues raras veces penetraba en el ámbito de las discotecas, copadas por temas comerciales también interpretados por negros (como Grace Jones, Chic y Tina Turner).


El tema 'Rapper´s delight', de Sugar Hill Gang, editado en 1979, fue una de las composiciones estrella de este estilo, que se inscribía en el ámbito ecléctico practicado por bandas fundacionales como Afrika Bambaata and The Soul Sonic o el más radical de Grandmaster Flash and the Furious Five. Pero es a partir de los años 90 cuando los álbumes de musica rap alcanzan una presencia regular en las listas de éxitos de la revista Billboard y el estilo se diversifica, atrayendo a sus filas de adeptos a músicos blancos.


El rap es el elemento musical vocal principal de la cultura hip hop. Consiste básicamente en recitar rimas siguiendo un ritmo o una base musical. El recitador se conoce como MC y generalmente la música la pone un DJ (audio mezcla y scratching). En un principio era el MC el que presentaba y acompañaba al DJ, que era, realmente la estrella del espectáculo. Pero hoy en día, podríamos decir que casi siempre es el DJ el que acompaña al MC, y muchas veces ni aparece.El término rap proviene del inglés, idioma en el que significa criticar severamente. También se ha sugerido que pudiera ser un acrónimo de la expresión en inglés rhythm and poetry (ritmo y poesía). otros posibles acronimos son "retupnas afroamericana protestal" o "revolucion afroamericana protestante".

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Estilo Ska

A finales de los 50’s, Gran Bretaña se preparaba para recibir la llegada de un ejército de músicos jamaicanos que en poco tiempo protagonizaron la escena blanca jazzística dirigida a la población blanca. La discográfica Plante One los apadrinó y aquellos ritmos pronto derivaron en el ska, un estilo musical que tuvo su cima creativa entre 1979 y 1988 con bandas multirraciales como Madness o The Beat.The Specials aparecieron en el momento justo. En 1967, Londres era el lugar de destino de miles de inmigrantes jamaicanos que para mantener viva la imagen de su país, regentaban gran cantidad de clubes los cuáles eran frecuentemente visitados por jóvenes nativos ingleses ávidos de bailar ese novedoso ritmo proveniente del Caribe. Formaciones como Desmond Dekker, The Melodians o Freddie Notes & The Rudies conquistaron las listas de éxito durante los primeros años setenta, justo antes de que la explosión punk se revelara contra el régimen monárquico y la mano de hierro de Margaret Thacher. Entre 1976 y 1979, el reggae y el punk fueron de la mano e incluso se mezclaron en canciones de grupos como The Clash o The Police. Pero en octubre de 1979 se editó el disco de debut de The Specials, una banda multirracial que supo asimilar como nadie elementos pop, reggae, ska y punk para ofrecer una auténtica coctelera de música disco, ofreciendo unos conciertos joviales que hicieron olvidar la rabia y la frustración de la era punk. Al igual que otras bandas como Oasis o Nirvana, The Specials aparecieron en el momento justo, propiciando la desaparición de las barreras raciales que surgieron tras la Segunda Guerra Mundial e influenciado a miles de adolescentes británicos working class, blancos y con ganas de pasarlo bien. De esa escena surgió la formación más popular del movimiento ska, Madness, uno de los grupos más famosos de la década de los ochenta y que se dieron a conocer en los pubes del norte de la capital inglesa como los auténticos revitalizadores del ska: sombreros cortos de Kangool, polos de Fred Perry, zapatos de Clark’s, gafas de sol, corbatas negras y pelo rapado se convirtió en el look oficial tanto de sus componentes como de los cientos de chavales que acudían a sus conciertos, eran los conocidos como rude boys (chicos bruscos) por su forma de bailar, una mezcla de marcha militar con la espalda encurvada y las plantas de los pies hacia fuera. El mismo año que The Specials debutaron, Madness conmocionó la escena musical londinense con " One Step Beyond" , su primer y más importante álbum de estudio. Los Siete Magníficos, como eran conocidos, se convirtieron en una auténtica fábrica de canciones; melodías y multitudinarios shows, donde himnos como " It Must Be Love" , " House Of Fun" o " Baggy Trousers" sonaban en las radios a todas horas. La banda se disolvió en 1988, reapareciendo solamente cuatro años después, en 1992, en el Finsbury Park londinense para ofrecer y grabar el legendario " Madstock" .

El nuevo milenio recibió a los viejos héroes del ska de muy diversas maneras. A pesar de que sólo editaron un disco, The Selecter también fue otra de las formaciones clave del ska. Teloneros de The Specials en el F Club de Leeds, el grupo arrasaba en directo (legendarias son sus actuaciones en el Top Of The Pops de la BBC) y " Too Much Pressure" llegó al nº 5 de las listas de venta, mientras que " Celebrate The Bullet" , título de su segundo álbum, fue censurado por la propia BBC Radio One por coincidir con el asesinato de John Lennon, en diciembre de 1981 y el atentado que sufrió Ronald Reagan durante esas fechas. Poco después, The Selecter desaparecieron. Unos meses antes, en febrero de 1981, un grupo ska causó sorpresa e incluso alarma durante su actuación en el Festival de San Remo: Bad Manners compartió cartel con Barry White y Dire Straits y su líder y cantante, Buster Bloodvessel confundió aquel evento popero en una auténtica declaración de principios. Buster, que salía a escena en calzoncillos y con el cráneo afeitado, se convirtió en la imagen más ruda del movimiento, al contrario que The Bodysnatchers, un grupo formado sólo por chicas y cuya imagen recordaba a las famosas bobby-sockers, las quinceañeras enamoradas del Frank Sinatra de los cincuenta. Rhoda, Jane, Stella, Miranda, Pennie, Nicky y Sarah Jane debutaron en 1979, en el Moonlight Club, realizando un llamamiento a todas las rude girls y, a pesar de no destacar en directo, siempre fueron apoyadas por The Specials o los propios Madness. El 11 de junio de 1988, el desaparecido Wembley Stadium acogió el macroconcierto en celebración del setenta cumpleaños de Nelson Mandela, en donde los grupos y artistas más importantes y populares de aquella época reclamaron la liberación del líder surafricano, injustamente encarcelado en su propio país. El evento se convirtió en una celebración de la música negra: Stevie Wonder, Peter Gabriel interpretando " Biko" , Harry Belafonte, Tracy Chapman reivindicaron la cultura afro-americana (por supuesto, el ska tuvo su representación de la mano de The Specials). Cuatro años después, durante los días 8 y 9 de agosto de 1992, los chicos blancos de Madness rememoraron durante un fin de semana la explosión ska con su célebre Madstock, de Finsbury Park y en donde reaparecieron figuras de aquellos años como Buster Bloodvessel y sus Bad Manners y The Selecter. El nuevo milenio recibió a los viejos héroes del ska de muy diversas maneras: Madness volvió con un show en el Pub The Dublín Castle, un pequeño local de tan sólo 150 personas de capacidad situado en la zona del mercado de Candem, en Londres; The Selecter realizaron un corto come back en 1991, año en el cuál el grupo había publicado seis discos, mientras que un tal Buster, en algún lugar perdido de Nottingham, se une al anuncio que en cualquier momento de 2005, alguna discográfica publicará una super caja con lo mejor de aquellos explosivos años.

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Estilo Grunge

Mucho antes de que Nirvana y su mítico álbum " Nevermind" cambiaran el curso de la historia de la música en 1991, Seattle llevaba más de un lustro siendo el " hervidero" de un montón de grupos que habían nacido bajo los grises cielos de una tierra verde y fría, alejada del resto de la escena musical, a principios de los ochenta. A principios de los 80, Seattle era una ciudad depresiva, aislada del resto del planeta, donde promover algo cultural era casi tarea imposible. La mayoría de los grandes grupos y artistas que se embarcaban en una gira por EEUU no solían acercarse ni a Portland ni a Seattle. Como más tarde afirmaría el famoso productor Jack Endino, " cuando el tiempo es una mierda y te quita las ganas de salir a divertirte, la única opción que te queda es reunirte con tus amigos en un sótano, coger una guitarra y hacer todo el ruido posible que te haga olvidar tu frustración".La filosofía que impulsaba el proyecto Sub Pop era la idea del perdedor, ésa era su marca.En los cuatro primeros años de la década de los 80’, la única banda que tuvo un importante eco en los ambientes nocturnos underground de Seattle fue el trío formado en Aberdeen, The Melvins, quienes sentaron las bases del famoso movimiento musical, convirtiéndose en el referente de todas aquellas bandas que triunfarían en la siguiente década. En 1985, se edita un LP que contenía una jugosa recopilación de canciones de los grupos locales que más estaban dando de qué hablar en aquella época. Entre la colección de bandas se encontraban los propios The Melvins, Green River, Mudhoney, Screaming Trees, Soundgarden, Tad, The U-Men y Malfunkshun, el primer proyecto de un talentoso vocalista llamado Andrew Wood, quién más tarde formaría Mother Love Bone, otra de las bandas de referencia. Todas ellas se caracterizaban por tocar el sonido " sucio" de sus guitarras y los pesados golpes de batería. Aquellas primerizas formaciones, de las que entraban y salían músicos continuamente, que apenas contaban con la ayuda de un puñado de bares y locales que les abrieran sus puertas, encontraron su " mecenas" en Bruce Pavitt y su plataforma de despegue en su fanzine Sub Pop. Pavitt y su socio Jonathan Poneman diseñaban y editaban (con pocos medios económicos y mucha imaginación) una revista underground que muchas veces se acompañaba de un cassette con maquetas de los grupos independientes de la zona de Seattle. La aceptación fue importante y los dos decidieron crear una pequeña compañía de discos que finalmente daría ese empujón necesario para que el, más tarde conocido como movimiento grunge, comenzara a ser escuchado más allá de la ciudad norteamericana. Con el mismo nombre que el fanzine, Sub Pop editó el primer single de Soundgarden y el primer Ep de Green River. La filosofía que impulsaba el proyecto Sub Pop era la idea del perdedor, ésa era su marca. El perdedor iba a ser el héroe de la década que comenzaba. Pero no sólo de buenas intenciones subsistía Sub Pop. A parte de Pavitt y Poneman, también destacó un productor que fue el responsable del " Sonido Seattle" . Jack Endino supo captar el espíritu y las necesidades de las bandas con las que trabajaba, ideándoselas para conseguir el mejor sonido posible con los menores costes. Vamos, que se las ingeniaba para dar con la forma más rápida y barata posible que le permitiera grabar en muy pocas tomas la canción final de la banda con la que estaba trabajando. Un claro ejemplo fue el disco de debut de Nirvana " Bleach" , que fue grabado en 1989 por Jack Endino en un estudio de Seattle en muy pocos días, por tan sólo 600 dólares.

Teniendo en cuenta las cifras astronómicas que se pagaban y se pagan por las largas sesiones de grabación en un estudio, nos damos cuenta que Endino era un virtuoso de la " sala de mandos" . A finales de 1988, la ciudad de Seattle era el obligado destino para todas aquellas bandas que deseaban hacerse un nombre y llegar a un público más amplio. Los locales comenzaron a darse cuenta de la importancia que estaba tomando la que sería la explosión musical más importante de la década de los 90’. La gente acudía a ver a Alice In Chains, Pearl Jam, Mudhoney, Nirvana, Hammerbox, Feast, Green River, Love Battery y un sin fin de jóvenes bandas que emitían gruñidos con sus guitarras. No se sabe quién o quiénes bautizaron este movimiento, pero el nuevo sonido " Grunge" (algo así como gruñido, en español) iba tomando importancia en los medios de comunicación americanos. En 1989, el desaparecido semanario musical británico Melody Maker, publicó un amplio reportaje titulado " Seattle, Rock City" en donde el redactor contaba su experiencia durante los días que estuvo en la ciudad, relatando cuando Pavitt y Poneman le llevaron a un concierto de Mudhoney y pudo vivir la sensación de libertad creativa y cultural que se respiraba en el ambiente. Nirvana y muchas otras bandas de Seattle comenzaron a vender lo que nunca hubieran imaginado. Durante todo el año 1991 parecía que las cosas se habían calmado un poco, pero con la llegada del otoño y la salida al mercado del segundo disco de los hasta ahora apenas conocidos Nirvana se puede afirmar que " las cosas se salieron de madre" . El video clip del primer single del " Nevermind" , " Smells Like Teen Spirit" , que programó la MTV de manera continua y que mostraba al grupo interpretando la canción en la cancha de baloncesto de un instituto, animando a los adolescentes allí reunidos a destrozar todo lo que encontraban a su paso, causó un auténtico " shock" mediático. El trío se convirtió en el punto de mira de todas las publicaciones y demás medios de comunicación musicales. Kurt Cobain, el cantante de la banda, se vio de la noche a la mañana encumbrado en el líder de la bautizada como Generación X. Rápidamente, Nirvana y muchas otras bandas de Seattle comenzaron a vender lo que nunca hubieran imaginado. Una nueva moda había nacido y, cómo no, las más importantes revistas del negocio se encargaron de mostrarla en sus portadas. No había vuelto a ocurrir un movimiento musical tan influyente desde el asalto británico del Punk, en 1976. El " Sonido Seattle" reinó a principios de los 90’s, años en que sus representantes publicaron excelentes discos que hoy, una década después, apenas han perdido vitalidad, manteniendo casi intacta su vigencia. En 1994, tras la muerte de Cobain, el fenómeno " Grunge" comenzó a decaer desde el punto de vista de la popularidad con la disolución de Soundgarden en 1997, a pesar de que algunas de las formaciones pioneras continuaron adelante como Pearl Jam. En 1992, Kurt Cobain fue fotografiado junto a su bebé con una camiseta en la que se podía leer: " Grunge Is Dead".

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Estilo Glam

El Glam Rock surgió como un fenómeno sociológico en Inglaterra a principios de los años setenta, identificándose no por extrañas ropas ni por sus peinados sino por el ritmo de sus canciones, temas de cuatro acordes que básicamente llegaban a ser puro y simple rock n’ roll.El pop de The Beatles estaba en las últimas. Llegaba 1970 y T-Rex, David Bowie o Sweet estaban a punto de tomar el timón del barco del rock. Durante la década de los setenta, los grandes dinosaurios del rock reinaron a base de álbumes conceptuales, canciones de casi diez minutos y conciertos mastodónticos (léase Pink Floyd o Genesis), pero durante esos años también existían músicos y fans que no querían saber nada de este estilo, de discos dobles y triples y de eternas improvisaciones con las seis cuerdas, era gente que se moría de ganas por volver al rock n’ roll de los cincuenta, al rock de tupé y, zapatos de gamuza azul y chaquetas repletas de brillantina, donde los adolescentes comían hamburguesas programando los temas de sus grupos y cantantes en el juke-box del bar. La hora del glam rock estaba a punto de hacer su aparición. Llegaba 1970 y T-Rex, David Bowie o Sweet estaban a punto de tomar el timón del barco del rock. Un par de años antes, un jovenzuelo llamado Marc Bolan, que había dado sus primeros pasos en un olvidado grupo llamado John’s Children, se llevó su guitarra y formó T- Rex (en realidad era Tyranosaurus Rex, formación cargada de simbolismos al Seños De Los Anillos y el universo de Tolkien), tan sólo acompañado por un músico que se limitaba a tocar un par de bongos, una especie de Bob Dylan pero con sex appeal encima de un escenario. En 1969 publicó "Unicorn", una de sus obras más aclamadas de la primera etapa "folk" de la banda. "Hot Love" y "Get It On" llegarían al nº1 de las listas inglesas en 1971 cuando el dúo era ya un cuarteto. Las alucinantes apariciones televisivas de Bolan y compañía influyeron en gran cantidad de músicos británicos como Sweet, Slade o el propio Bowie. Marc Bolan llegó a ser en Inglaterra más popular que Elvis, pero la leyenda terminaría en 1977 cuando el artista falleció en un accidente de coche. En 1968 se formó Sweet, una banda donde su cantante, Brian Connolly, parecía encabezar una primeriza banda de heavy metal. Entre canciones propias y temas de Queen o Gary Glitter, Sweet fue otra de las bandas a tomar en cuenta durante los 70’s tanto en U.K. como en EEUU hasta que la década de los ochenta los cogió desprevenidos y decidieron disolverse en 1982, después de haber conseguido varios temas en las listas de éxito y haber tocado legendarios shows a ambos lados del Atlántico. Por su parte –a pesar de no conseguir el reconocimiento yanqui-, Slade fueron contemporáneos de Sweet y consiguieron colocar once hits en las listas inglesas. Entre sus grandes canciones destacan "Get Down And Get With It", "Cum On Feel The Noize" o "Gudbuyt’Jane", todas con su inconfundible toque humorístico propio de la banda. Al igual que con Sweet, los 80’s se llevaron a Slade al olvido. Pero antes, concretamente durante el verano del 72, Glitter arrasa como "Rock N’ Roll (Part II)", un increíble personaje que parecía salido de un cómic de terror de Marvel llamado Alice Cooper convierte su "School’s Out" en un auténtico himno y joven rubio, con un ojo de cada color y que ya había llamado la atención en el 69 con "Space Oddity", causa sensación tanto en las portadas de sus discos como en sus actuaciones bajo el nombre de su alter-ego, Ziggy Stardust. Su nombre: David Bowie, el "hombre que vendió el mundo. Bowie sí que causó sensación en USA con el álbum "The Rise & Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", lo que le hizo recoger el testigo de la popularidad que en un principio Marc Bolan había encarnado.

Sus actuaciones con los Mott The Hoople de Mick Ronson (creadores de otro himno: "All The Young Dudes") y sus discos de gran calidad propiciaron que fuera requerido en USA (productor del primer álbum de Lou Reed y del segundo de The Stooges), influenciando a cientos de artistas hasta nuestros días, con la edición de un soberbio "Heathen" en 2002. Mientras, a la sombra de Bowie, un tal Elton John se servía de las composiciones de Bernie Taupin y una puesta en escena un tanto alocada (nada que ver con el actual Sir Elton John) para hacerse su hueco álbum tras álbum. Temas como "Rocket Man" o "Goodbye Yelowbrick Road" le llevarían a la fama de la que hoy goza. La primavera de 1975 pasa a la historia por ser la fecha en que el glam finalizó oficialmente. Mientras, no lejos de aquella escena, Brian Eno y Bryan Ferry no paraban de componer canciones y finalmente forman Roxy Music, junto al guitarrista Phil Manzanera, excelente músico que aportó los mejor de su técnica a temas como "Love Is Drug" y "Virginia Plain", auténticos clásicos de la formación. Para 1973, el glam rock está en pleno apogeo. En las discos suenan "Children Of The Revolution", de T-Rex, "John, I’m Only Dancing", de Bowie, "Blockbuster", de Sweet, "Cocodrile Rock", de Elton John o "Crazy Horses", de los olvidados The Osmonds. Para ese año, nuevos grupos y artistas intentaron hacerse un hueco en el universo glam: Mud apareció con "Crazy", David Essex con "Rock On" y Geordie con "All Because Of You" o Wizzard con esa increíble "See My Baby Jive". Mientras, desde tierras americanas, la cantante y bajista Suzi Quatro se convertía en la reina del glam gracias a canciones como "48 Crash" o "Daytona Demon" y una banda que para muchos fue pionera del punk, The New York Dolls, convertían sus conciertos en auténticas bajadas a los infiernos. Influenciados por The Velvet Underground, los Stones y el propio Bolan, Johnny Thunders y Dave Johansen, que se habían formado en el bajo Maniatan, desembarcaron en Londres en 1972, en una gira desenfrenada en la que murió Billy Murcia, el batería, debido a una mezcla de drogas y alcohol. Posiblemente en verdad fueran mas punkies que glammies. Durante el siguiente año, Sweet se mantienen en forma con "Teenage Rampage", Alice Cooper con "Teenage Lament’74", Bolan con su primer éxito en solitario "Teenage Dream", Bowie con "Rebel Rebel" y Mott The Hoople con "The Golden Age Of Rock N’ Roll". Aparecen otros como The Rubettes, Bay City Rollers, Sparks o Alvin Stardust, pero el glam ya no es el movimiento original, las cosas están cambiando. El ídolo David Essex se retira, grupos efímeros como Cockney Rebel o Kenny intentan hacerse con su trozo de pastel y el gran David Bowie comienza a coquetear con la música disco. La primavera de 1975 pasa a la historia por ser la fecha en que el glam finalizó oficialmente. Slade se separan, Glitter comienza a coquetear con baladitas. Sólo Sweet y Bolan mantienen el tipo, por poco tiempo, pero lo mantienen. T-Rex edita su último gran hit: "New York City".

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Estilo Jazz

El primer estilo musical americano que influyó en la música del resto del planeta, desde el ragtime hasta el jazz-rock, desde Charlie Parker hasta Chick Corea, el jazz emergió de los míticos coros de gospel, mezclándose con los "gruñidos" del blues sureño para llegar hasta nuestros días en perfecto estado de salud. El ragtime fue uno de los primeros estilos musicales que surgieron a finales del siglo XIX y contribuyeron a desarrollar el jazz, que también contó con el blues y aquellas canciones que transmitían miles de historias de afro-americanos. El ragtime fue uno de los primeros estilos musicales que surgieron a finales del siglo XIX.. Nueva Orleans fue la cuna del jazz, el escenario del desarrollo de los primeros brotes de la música negra por excelencia, un lugar abierto a los sonidos caribeños y mejicanos que calaron hondo en la población negra del lugar. A principios del siglo XX, los funerales eran acompañados por bandas que tocaban melodías alegres para reconfortar a las familias, de hecho, la ciudad entera se convertía en protagonista de numerosos desfiles donde un todavía primitivo jazz alegraba las calurosas noches de verano. Precisamente, de sus calles y de sus clubes salieron virtuosos como Johnny Dodds, Jimmy Noone y un jovencito Louis Amstrong que ya apuntaba alto. Tanto en Nueva Orleans como en Louisiana, apareció un nuevo tipo de música llamado Dixieland jazz, derivado de una popular banda que a comienzos de la década actuaba en locales y festivales: Original Dixieland Jazz Band, que ya había grabado varias canciones en 1917 (con Amstrong en la trompeta). Con la llegada de los locos años veinte, el relevo lo tomó Chicago cuando comenzaron a cerrarse decenas de locales en Nueva Orleans, propiciando la huida de los músicos a otros estados y estableciéndose la mayoría de ellos en una ciudad que comenzaba a ser controlada por la mafia italo-americana. En la Costa Este, Nueva York contribuyó a la riqueza del jazz en varios sentidos. En la ciudad de los rascacielos se popularizó el piano como pieza fundamental del sonido jazz y allí destacó James Reese, pionero de las populares orquestas que triunfaron con magníficas improvisaciones que resaltaban la calidad de sus componentes. Fletcher Henderson fue el primer músico que actuó junto a una banda en el local más popular de la ciudad, en el Cotton Club, durante el otoño de 1923. Henderson descubrió al público grandes estrellas como Coleman Hawkins o Don Redman. Y es que Nueva York adoptó el papel que, años atrás, había tenido Chicago y actuó como un imán con los músicos que comenzaban a despuntar dentro de un estilo más swing. El propio Louis Amstrong y su banda llegaron a la ciudad procedentes de Chicago y un todavía desconocido Duke Ellington, ávido de mostrar sus primeras composiciones. También desembarcaron en la ciudad Duke Ellington, Bennie Moten y la orquesta de un virtuoso Count Basie, tras haber cosechado infinitos aplausos en urbes como San Luis, Menphis o Detroit. La década de los veinte tenía sumida a América en un auténtico paraíso y, a pesar de los desastres de la Gran Depresión de 1929 y el estallido de la Segunda Guerra Mundial, los habitantes de las grandes ciudades pasaban veladas enteras disfrutando de las actuaciones de Ellington, Basie y Williams, bailando swing con la orquesta de Benny Goodman (formada por músicos blancos que habían tomado como base los ritmos negros) y pasando veladas junto a Ella Fitzgerald o Billie Holiday.

Eran los tiempos de las big bands, orquestas formadas por más de diez músicos que utilizaban todo tipo de instrumentos: saxos, trombones, guitarras, baterías, trompetas y clarinetes, tremendamente populares gracias también a sus emisiones radiofónicas que propiciaban que se pudieran escuchar en todo el país. Era la edad dorada del swing, con leyendas como Tommy y Jimmy Dorsey, Glenn Miller y Woody Herman, cuyas bandas acompañaban las canciones de Frank Sinatra, Bing Crosby y Dean Martin. Antes de la llegada del rock n’ roll, los míticos crooners de los 30’s y 40’s arrasaban entre las jovencitas acompañados de las big bands. Con la década de los 40’s, el bebop emergió como una rama del jazz que se alejaba del estilo de las grandes bandas de salón, refugiándose en los pequeños clubes. La historia confirma que el desarrollo del bebop se debió a grandes figuras como Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Dexter Gordon, Oscar Peterson o Charle Pingus. El propio Parker fue el artista joven con más talento de la historia del jazz, una leyenda que en sus composiciones mezcló el viejo blues de Kansas con largas sesiones de improvisación y una personalidad atormentada. Murió a los 34 años tras varios intentos de suicidio y graves problemas de úlcera y cirrosis. Él y Gillespie se asociaron durante un tiempo y se convirtieron en los músicos con más demanda de la famosa calle 52 de Nueva York, entre 1944 y 1945. A pesar de su temprana muerte, Parker dejó constancia de su talento en 139 discos. El bebop dio paso al cool jazz, un estilo más sutil y armónico que su predecesor. Nuevamente, artistas de gran talento pusieron de moda el nuevo movimiento: Gil Evans, Chet Baker y el enorme Miles Davis, que ya había tocado junto a Parker y Gillespie en la orquesta de Billy Eckstine. Apuntar que Davis apareció en varios discos de Charlie Parker durante la segunda mitad de la década de los cuarenta y en 1959 editó "A Kind Of Blue", el que muchos cifran como la obra maestra del jazz moderno. Por aquel entonces, algunos músicos combinaban instrumento y voz, como Chet Baker, que con su look de rockabilly, tupé y gafas de sol, se asemejaba más a una estrella del rock n’ roll que a un músico de jazz. El cool jazz reinó en América hasta mediados de los cincuenta, cuando una combinación de bailes latinos, melodías jazz y coros pusieron de moda el latin jazz, llegando a su máxima expresión a finales de los cincuenta con el mambo, el cha-cha-cha, la samba y la bossa nova. El propio Gillespie se sumó a una fiesta en la que destacaban músicos como Arturo Sandoval, Eddie Palmieri, Tito Puente y Mario Bauza. Ya en los 60’s, el latin jazz dejó las puertas abiertas para que se consolidara un nuevo brote, el free jazz, mucho más experimental y provocador que sus predecesores, un estilo que tomaba libremente sonidos de la India, China o África, indistintamente, donde los músicos improvisaban dando una sensación de caos organizado. Cecil Taylor y Roscoe Mitchell fueron algunos de los artistas más destacados. Y llegamos al jazz rock, también llamado fusión, que combinaba improvisación, coros y ritmos rock. Sintetizadores, guitarras eléctricas y percusiones electrónicas cuestionaron los límites del jazz. Chick Corea y el guitarrista Pat Metheny fueron y son las figuras más importantes. ¡Si Louis Amstrong y Charlie Parker levantaran la cabeza!

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